Non si esce certo dalla sala con il sorriso stampato sulle labbra. Già, perchè non c’è proprio niente da ridere. L’ultimo film di Woody Allen è pervaso da una forte vena pessimistica: è crudele, spietato, sprigiona negatività e, cosa ancora più grave, il finale non lascia intravedere spiragli di luce. Nessuna via d’uscita. La visione del mondo che Allen ci consegna con “Sogni e delitti”, non è certamente rosea e confortante (ironia della sorte, nel film si promette un futuro roseo ai due protagonisti, e sul raggiungimento di tale condizione si basa l’intera vicenda). Con una storia direi forse un po’ banale e, perchè no?, quotidiana (ma qui secondo me sta il tocco di classe), si toccano in realtà molti temi delicati del mondo contemporaneo, analizzandoli e poi smontandoli. Terry (Colin Farell) e Ian (Ewan McGragor) sono due fratelli che vivono una vita piuttosto piatta e senza troppe soddisfazioni: il primo è un meccanico che si rivelerà pieno di debiti, il secondo uno squattrinato che si fa passare le belle macchine in riparazione dal fratello per fare il figo con le ragazze. Arriva il giorno del compleanno della mamma. Per l’occasione torna a casa anche il ricco, sentimentale, onesto e magnanimo zio Howard per festeggiare la sorella. Dopo un pranzo offerto dallo zio in un lussuoso ristorante, Terry e Ian non si fanno scappare l’occasione e chiedono allo zio di tirarli fuori da guai. Da uomo generoso qual’è, zio Howard decide di aiutare i suoi “adorati” nipoti, ma sorpresa delle sorprese, chiede loro in cambio un favore: uccidere un uomo che con la sua testimonianza manderebbe all’aria i suoi affari e gli farebbe finire in prigione il resto dei suoi giorni. Forse zio Howard non è poi una persona così onesta. Lo facciamo o non lo facciamo? si chiedono i bravi ragazzi Terry e Ian. Se il primo si pone molti dubbi morali riguardo all’azione da compiere, Ian sembra invece deciso a compiere l’omicidio consapevole che poi lo zio gli avrebbe ricompensati con grandi ricchezze. Alla fine i due si vendono e l’omicidio, che potremmo definire un caso di hitchcockiano delitto perfetto (del resto Allen ci aveva già abituati a questo tipo di delitti nel bellissimo “Math Point”) viene portato a termine con pulizia, seppur tra mille incertezze (non mancano qui spunti umoristici) mentre lo zio è in viaggio per lavoro. Occorre fermarsi qui con il riassunto della trama; sull’omicidio, il quale rappresenta a chiare lettere un punto di non ritorno nella vicenda e nella vita stessa dei due protagonisti. Come dice spesso Terry “non si può più tornare indietro”. I personaggi, tutti ottimamente interpreatati, sono più che mai stereotipati e le loro figure rispecchiano un po’ tutte le sclassi sociali e, grosso modo, le personalità in cui si potrebbe suddividere la società moderna: abbiamo il ricco proprietario di alberghi, ospedali e cliniche la cui però ascesa imprenditoriale lascia spazio a molti sospetti e dubbi in quanto a legalità (zio Howard), l’”onesto” lavoratore senza un soldo, amante delle carte, delle scommesse e dell’alcool (Terry), l’uomo desideroso di buttarsi in affari, amante delle belle donne e delle belle macchine (Ian) ed infine, la giovane ragazza benestante che sembra curarsi solo della propria esteriorità ed in cerca di una carriera da attrice (la ragazza di Ian). Woody Allen abbandona con “Sogni e delitti” la commedia per confrontarsi con la tragedia e, a giudicare dalla buona riuscita del film, pare che il senso del tragico non gli manchi affatto. La situazione tutto sommato abbastanza positiva con cui si apre il film viene capovolta, come vuole la tragedia, nel finale lasciando allo spettatore un forte senso di amaro in bocca. Chi abbia sentito alcune delle ultime dichiarazioni di Allen, credo non rimanga più di tanto sorpreso da tutta questa tragicità del film che diviene quasi palpabile nell’epilogo della vicenda: “«Sempre di più – afferma il regista – mi perdo in una visione pessimista dell’esistenza: la vita è caos e tragedia con qualche sprazzo raro di gioia, di piacere, di leggerezza». Come ha già scritto qualcuno, tutta questa negatività è forse dovuta all’avanzare dell’età; a più di settant’anni non puoi pensare positivamente. Sta di fatto che nella visione esistenziale di questo uomo, di questo cineasta, di questo artista, qualcosa è cambiato ed è cambiato in peggio. Ecco allora che il buon Woody ci dice in faccia, e con tanta sincerità, come stiano realmente le cose, come si faccia e soprattuto chi sia, alla fine dei conti, a sopravvivere in una società ipocrita, corrotta, meschina ed imprevedibile come quella in cui viviano la nostra esistenza quotidiana, in un film che, forse esagerando un po’, potrebbe essere visto come una rilettura in chiave contemporanea del mito della sopravvivenza sulla Terra.

Per chi ne vuole sapere di più sul Woody Allen pensiero… si guardi il video…

Titolo originale: Se jie, Regia: Ang Lee , Sceneggiatura: Hui-Ling Wang , Fotografia: Rodrigo Prieto , Musiche: Alexandre Desplat, Montaggio: Tim Squyres, Anno: 2007, Nazione: Cina – Stati Uniti d’America, Distribuzione: BIM, Durata: 156′, Data uscita in Italia: 04 gennaio 2008, Genere: drammatico,guerra,thriller

A breve distanza da “Brokeback Mountain”, Ang Lee ritorna con “Lussuria” a parlarci ancora d’amore. Cambiano le scene e le battute ma non cambia il tema di fondo: un amore vero, tragico ma, ovviamente, impossibile. Ambientato nella Shanghai degli anni ‘40 durante la guerra fra Cina e Giappone, il film narra a ritroso la travagliata storia d’amore fra Wang Jiazhi, un’affascinante ragazza che prende parte alla resistenza cinese, e il signor Yee, un potente politico collaboratore dei giapponesi. La giovane Wang, con il compito di sedurre il signor Yee per poi gettarlo nelle mani della resistenza, viene però a sua volta sedotta, ed innamorandosi del duro Yee, manderà letteralmente all’aria tutti i piani della resistenza. Leone d’oro a Venezia, censurato in America e Cina, il film penetra, nella versione completa, ed esplora in profondità la passione e l’intimità dei due amanti, arrivando a mostrare la travagliata sfera psicologica che anima la loro sfrenata passione. Ang Lee ci propone una pellicola estremamente raffinata e curata in ogni minimo dettaglio: dai costumi di seta cinese che indossa Wang (ne cambierà una decina nel corso del film), ai movimenti e agli sguardi sensuali dei due protagonisti. Giustificata anche la durata del film. Nonostante un’inizio un po’ incerto e complesso (anche se splendida è la scena di apertura con le mogli che giocano a Maijang), il film non perde mai di ritmo e le oltre due ore e mezza di proiezione non tendono mai ad annoiare lo spettatore, complice un crescendo di intensità drammatica che sfocia nell’estremo gesto finale della giovane Wang. L’anello che il signor Yee vorrebbe regalare alla ragazza diviene il simbolo e la manifestazione empirica della sincerità del proprio amore, sincerità che verrà ricambiata con il gesto pieno di eroismo di Wang che decide di rivelargli la propria vera identità consapevole che tale rivelazione avrebbe non solo portato ugualmente a termine la loro relazione amorosa, ma anche spezzato la propria vita, salvando però quella dell’amante.

 Un film di Pedro Almodóvar. Con Leonor Waitling, Javier Cámara, Rosario Flores, Darío Grandinetti, Paz Vega, Elena Anaya. Genere Drammatico, colore 112 minuti. – Produzione Spagna 2002.

“Parla con lei” racconta di due storie inizialmente separate che il destino fa incrociare. Benigno è un infermiere che si è offerto di prendersi cura, giorno e notte, di Alicia, una ragazza in coma da quattro anni presso una clinica privata. Marco è invece un giornalista di viaggi che, uscito da una difficile storia amorosa, si innamora di Lydia, una nota torera, vedendo in lei una nuova speranza di felicità. Ma durante una corrida, Lydia cadrà tragicamente in coma in seguito ad un feroce scontro con un toro, raggiungendo così Alycia nella stessa clinica privata. E qui Benigno e Marco si conosceranno. A tre anni di distanza da Tutto su mia madre, Pedro Almodovar ritorna alla regia regalandoci una pellicola che rientra, a pieno titolo, in quella ristretta categoria di film che per apprezzarli fino in fondo, bisogna guardare almeno tre volte. Dico questo perché ad ogni nuova visione il film ci dirà sempre qualcosa di nuovo: ci accorgeremo così che ogni dialogo (direi quasi ogni battuta del film) nasconde alle sue spalle un mondo di temi, di rimandi e di significati, che anche ogni piccolo gesto dei personaggi ci rivela, in realtà, la fisionomia del loro essere interiore nonché le sofferenze, i desideri e le passioni che li animano. Già nella scena con cui si apre il film si possono rintracciare quelle tematiche che poi verranno affrontate, ampliate e analizzate nelle sequenze successive: il balletto delle danzatrici cieche diviene un po’ la metafora e lo specchio della vita, non solo delle due protagoniste femminili (come è facile intuire), ma anche dei personaggi maschili, anch’essi invischiati in un tunnel di difficoltà del quale Benigno, al contrario di Marco, sembra ignorare l’esistenza. Dirà Benigno in merito: “I quattro anni passati a prendermi cura di Alicia sono stati i più belli della mia vita”. Ed è proprio Benigno il personaggio meglio costruito del film, un personaggio dalle mille sfaccettature, insolito, complesso (non si capisce con chiarezza se sia omosessuale o eterosessuale), un personaggio per certi versi negativo, a tratti sprezzante. Eppure questi tratti negativi di Benigno sono sempre solo abbozzati, accennati; emergono ma non prendono mai il sopravvento e questo perché Almodovar vuole prima di tutto mostrare del personaggio la sua profonda umanità e il suo essere, in un certo senso, “innocente” pur essendo colpevole di aver compiuto atti moralmente impuri. Per questi motivi ci viene quasi voglia di perdonare Benigno, di schierarci dalla sua parte. Del resto come si fa a non provare ammirazione per un uomo che decide di passare la sua vita a prendersi cura di una ragazza in stato comatoso, trattandola come se fosse cosciente? Benigno parla continuamente con Alicia (cosa che invece a Marco non riesce di fare con Lydia), le parla perché il suo profondo senso della vita lo porta a credere che la ragazza, nonostante la malattia, lo possa sentire ugualmente, come se la realtà che egli ha davanti agli occhi fosse solo una realtà di superficie che ne nasconde una più vera che travalica i limiti della materialità e della ragione. Con Parla con lei, giudicato dalla rivista “Time” fra i cento migliori film di tutti i tempi, Almodovar ci racconta una parabola, una fiction, perché di questo si tratta, appositamente costruita per diffondere un messaggio: e allora, quel’è il messaggio di questa storia? cosa vuole dire Almodovar al suo spettatore? Vuole semplicemente dire, e sottolineare, quanto sia sottile e labile la linea di confine che separa la ragione dalla follia quando ad essere in ballo sono i sentimenti d’amore. Concludendo, attraverso questa chiave di lettura è ora ancora più semplice capire per quale motivo Benigno, nonostante le sue colpe, appaia ai nostri occhi non solo una persona innocente e pura, ma anche piena di umanità.

Un film di Tim Burton. Con Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Alan Rickman, Sacha Baron Cohen, Laura Michelle Kelly, Timothy Spall, Anthony Stewart Head. Genere Musical, colore 116 minuti. – Produzione USA, Gran Bretagna 2007. – Distribuzione Warner Bros Italia – [Uscita nelle sale venerdì 22 febbraio 2008]

E’ giovedì sera e, avendo preso questa strana abitudine del giovedì, io e i miei amici andiamo al cinema. Secondo spettacolo, quarta fila, a vedere cosa? a vedere “Sweeney Todd”, l’ennesima collaborazione di Tim Burton e Johnny Depp. Può darsi che mi sbagli (a giudicare da quello che scrivono gli altri si direbbe di si), ma questo film mi sembra che sancisca la conferma del calo di creatività di Tim Burton. Con questo non voglio dire che il film sia brutto o da cacciare, voglio solamente dire che “Sweeney Todd” sembra confermare l’adagiarsi della qualità media degli ultimi film del regista (intendo da “Il pianeta delle scimmie” in poi – con la sola eccezzione di “Big Fish”) su livelli più bassi rispetto agli standard a cui ci aveva abituati ad inizio carriera. Le atmosfere del film sono dark, nemmeno a dirlo, talmente dark che a volte non si vede quasi niente sullo schermo. Come al solito Johnny Depp è bravo. Gli attori tutti sono bravi. I costumi sono belli. E tuttavia, pur essendo rintracciabili alcune tematiche di fondo della filmografia bartoniana come il protagonista emarginato dalla società (Sweeney si direbbe un Edward ottocentesco), manca qualcosa. Anche a livello di estetica delle immagini Burton non dà certo il meglio di sè in questo film. Non lo so, forse è a causa dell’immagine troppo digitalizzata che alla fine risulta troppo finta. Film come “Edaward mani di forbice”, “Batman Returns” o “Ed Wood” mi sembrano nettamente superiori fotograficamente parlando. Altro aspetto che non mi ha convinto: le musiche. I film del regista americano si sono sempre distinti anche per la presenza di colonne sonore sempre eccezzionali, composte con grande sapienza da Denny Elfman. Non mi sembra che la cosa si sia felicemente ripetuta anche per “Sweeney Todd”: le musiche sono poco decise, troppo poco accattivanti, ripeto, rispetto al passato o (come ho detto prima) rispetto agli standard a cui eravamo abituati. Queste le mie sensazioni. Concludendo, il film non mi ha appassionato come avevano fatto altri. Ma può essere che abbia preso io un abbaglio o non abbia visto la pellicola nell’ottica giusta. Sicuramente la riguarderò. Magari si tratta, e a volte mi capita, che “Sweeney Todd” sia uno di quei film che per apprezzarli e amarli una sola visione non basta.